Tanha Gomes est l'artiste du programme d'accompagnement jumelé PWM+MAI

Playwrights’ Workshop Montréal et le MAI (Montréal, Arts Interculturels) sont ravis d'annoncer la saison inaugurale de leur accompagnement jumelé aux artistes intéressé.e.s par une collaboration avec un.e conseiller.ère dramaturgique avec l'artiste Tanha Gomes et son projet Couronnes de cendres !

L'ARTISTE

Headshot of artist Tanha Gomes
Photo par Daniele Barroso

Artiste visuelle et travailleuse culturelle, Tanha Gomes a travaillé dans plusieurs centres d'artistes et galeries d'art à Montréal. Depuis 2011, elle participe à des initiatives qui font découvrir l'art à des personnes de tous âges.

Née dans une famille multiculturelle au Brésil, elle a déménagé au Canada à l'adolescence et vit depuis entre ces deux mondes. Son expérience de l'immigration l'amène à explorer les liens entre le déplacement, la mort et la mémoire. Fascinée par les traces de l'histoire personnelle sur les corps et les trajectoires des gens, elle utilise la photographie pour mener des explorations intimes et délicates de l'identité. Elle cherche à créer des œuvres contemplatives en utilisant le temps comme matière première, souvent avec de longues expositions qui exigent que les corps restent immobiles. Les images de Tanha sont marquées par un aspect performatif, par de simples empreintes ou une promesse de mouvement. Récemment diplômée d'une maîtrise en éducation des arts, elle aspire à développer sa pratique artistique autour de l'identité culturelle.

LE PROJET

Exploration des liens entre mémoire, absence, rituel et deuil, Couronnes de cendres consistera en une installation vidéo et photo nourrie par une série d'ateliers créatifs avec le public. L'installation plonge le spectateur dans une vidéo multicanale d'une durée de plus d'une heure, jouée en boucle, accompagnée d'une murale de photos des objets réalisés lors des ateliers. 

L’histoire des couronnes

Le projet est inspiré d'une histoire racontée à Tanha par sa mère. Suite au décès d'un jeune cousin dans les années 50, les femmes de la famille ont commencé à rendre régulièrement hommage à leurs proches décédés en confectionnant des couronnes funéraires à partir de fleurs en plastique. Quelques jours avant le Jour des Morts, ils se rassemblaient autour d'une table à l'heure du thé pour tisser ces couronnes, qui devenaient des portraits du ou de la défunt.e, arborant leurs couleurs préférées et référençant leur vie et certaines de leurs caractéristiques. 

Tanha est la première artiste soutenue par le programme d'accompagnement jumelé PWM + MAI. Sur la durée du programme, elle bénéficiera d'un accompagnement personnalisé pour son projet, d'une allocation de fonds de 5 000 $, de possibilités de formation et de réflexion, d'un accès aux studios de répétition du MAI et de 30 heures avec un dramaturge.

LE PROGRAMME

L'accompagnement jumelé PWM + MAI accompagne les artistes dans leurs parcours pour développer un projet et approfondir leurs connaissances. Il s'adresse aux artistes rencontrant des obstacles structurels et systémiques à leur pleine participation aux arts en raison de leur identité revendiquée et/ou perçue dans la société. 

Plus de détails sur le programme disponibles ici.

Nous sommes très fiers d'accompagner le développement du projet de Tanha, et lui souhaitons une création passionnante !

Ce programme est un partenariat entre
PWM logo
Projet supporté par le gouvernement du Québec dans le cadre de l'Entente sur le développement culturel, par la Ville de Montréal, ainsi que par le Conseil des arts du Canada
Canada Council logo

POSTULEZ MAINTENANT: CIRQUE — Une composition de l'entre-deux avec Andréane Leclerc

Note:
en raison de la pandémie COVID-19, cet atelier se déroulera en téléprésence.
Contactez harris@playwrights.ca pour toutes questions sur l'atelier.

Cet atelier bilingue dirigé par artiste circassienne Andréane Leclerc s’intéresse aux différentes interprétations et écriture circassiennes au sein d’un processus interdisciplinaire en arts vivants.

Trop souvent, le cirque est simplement glissé dans un contexte de représentation, inséré dans une création, ou juxtaposé à d’autres disciplines. Ses multiples contraintes, entre autres techniques et la particularité de son langage, rendent souvent difficile l’écriture scénique, le dialogue interdisciplinaire, et par extension, les processus de recherche et création. Ceci parce que la remise en question de la forme circassienne pour en faire une matière malléable à écriture scénique est fondamentalement périlleux car elle porte un risque réel. Or, comment réfléchir le cirque comme matière au sein d’un processus de création interdisciplinaire? Comment faire dialoguer le cirque avec les autres disciplines à la création d’un nouveau langage? Comment se sortir d’une logique binaire entre deux disciplines et qu’observons-nous à l’intérieur de cette zone d’entre-deux? Quelles sont les nouvelles possibilités dramaturgiques émergentes?


Calendrier :

(Atelier virtuel de 5 jours)


De 13h à 16h chaque jour
Du lundi 25 janvier au vendredi 29 janvier 2021.

Location:

L'atelier se déroulera à distance via un logiciel de visioconférence.


Il s’agit d’un espace de réflexion, d’échanges, de dialogue et de création afin de cibler et de mieux comprendre les enjeux inhérents au cirque pour ensuite ouvrir et échanger sur différentes visions et interprétations possibles. Laboratoire créatif, il vise à briser la hiérarchie des langages scéniques pour créer de nouvelles formes prenant naissance au cœur de toutes ces disciplines. Il s’agit d’une invitation à développer une pratique d’écoute active, de dialogue sensible, et de plongeons au cœur de zones inconnues, soit dans cet espace « entre » et poreux qui relie. 

Cette formation s’adresse aux artistes créateurs provenant de toutes les disciplines s’intéressant de près ou de loin aux arts du cirque, aux processus de création interdisciplinaire et à la dramaturgie contemporaine.

Thèmes abordés :

  • Faire la différence entre multi, inter disciplinaire;
  • Chercher la porosité disciplinaire;
  • Distinguer le vécu du perçu et articuler sa vision circassienne;
  • Enjeux dramaturgiques circassiennes;
  • Dramaturgie contemporaine;
  • Composition scénique;
  • Langage commun.

Comment postuler

  • Veuillez nous envoyer une biographie et/ou un CV artistique ainsi qu'un court texte (1-2 paragraphes) expliquant votre intérêt pour l’atelier ainsi que votre expérience en tant qu’artiste interdisciplinaire ou circassien.
  • Envoyez les candidatures et vos questions à harris@playwrights.ca avec pour objet : Exploration des pratiques avec Andréane Leclerc. 

  • You may send your application in English or French.

Postulez avant midi le 8 janvier 2021 pour vous assurer que votre candidature sera prise en considération.

Plan de travail

Les sessions seront composées d’abord de discussions et de partages en groupes, suivi d’une séance de travail en duo ou individuel. Une heure d’accompagnement personnalisé au cours de la semaine sera possible pour chacun des groupes. 

Plan de cours

Jour 1 : Introduction – Le cirque

C’est quoi? Ça veut dire quoi? Pourquoi?

Jour 2 : Les disciplines circassiennes et la relation à l’objet

Une extension du corps? Une dualité binaire? Une dynamique ternaire?
Où se pose le cirque? Faire la différence entre l’acrobatie, l’acrobate et l’agrès.

Jour 3 : Le langage acrobatique

Quel est son système inhérent? Que pouvons-nous cacher, révéler?
Où se pose la dramaturgie? Sa construction? Son devenir?
Quels sont les impacts techniques suivant les choix dramaturgiques?

Jour 4 : Le devenir scénique, exploration de l’espace-temps becoming

Quelle est sa relation avec les autres disciplines?
Comment les faire dialoguer dans un devenir cohérent?
Quels sont les lignes de fuite? Les dynamismes? Les compositions? Les rythmes?
Quelle est leur évolution spatio-temporelle?

Jour 5 : Conclusion – la rencontre avec le public 

 Partage des projets et réflexion sur le contexte de la diffusion.

À propos de la formatrice

Photo par Valérie Sanguin

Andréane Leclerc s’intéresse à la scène performative, l’interdisciplinarité, la dramaturgie. Dans une démarche qui déconstruit le spectaculaire, elle cherche un corps-matière qui évolue dans la sensation plutôt que dans le sensationnalisme. Contorsionniste de formation (École nationale de cirque de Montréal, 2001), elle obtient en 2013 une maîtrise sur la dramaturgie de la prouesse au département de théâtre de l’UQAM. Elle fonde la compagnie Nadère arts vivants, afin de poursuivre sa pratique de recherche sur le corps. En plus de créer des pièces conceptuelles (Di(x)parue ; InSuccube ; Bath House ; Cherepaka ; Mange-Moi ; La Putain de Babylone ; Sang Bleu), elle continue d’interpréter pour divers projets internationaux. Andréane Leclerc développe une pratique pédagogique autour du mouvement et de l’amplitude de la colonne vertébrale inspirée de l’apprentissage de la technique de la contorsion et en juillet 2017, elle a participé à la création de Cirque OFF, un manifeste vivant pour la biodiversité du cirque montréalais au Studio 303.

En collaboration avec
Cet atelier est soutenu financièrement par
Emploi-Québec and Compétence Culture Logos

POSTULER MAINTENANT : Archipels dramaturgiques – un monde de circulations

Exploring Practice Intensive - Archipelago Dramaturgies hero image

Joignez-vous à nous pour une semaine d'ateliers pratiques bilingues avec Jessie Mill et Katalin Trencsényi!

« Toute pensée archipélique est pensée du tremblement, de la non-présomption, mais aussi de l’ouverture et du partage »

— Édouard Glissant, Traité du Tout-Monde

Playwrights’ Workshop Montréal (PWM), en collaboration avec le Centre des auteurs dramatiques (CEAD) annonce sa troisième semaine d’atelier intensif de dramaturgie, Archipelago Dramaturgies/Archipel de dramaturgies, mené par Jessie Mill et Katalin Trencsényi. Cet atelier sera consacré à l’exploration, à l’échange et aux partages de pratiques dramaturgiques dynamiques, favorisant la circulation entre les cultures et les arts, à travers des collaborations, des débats et des discussions. Au sein de l’environnement créé pour cette aventure collective, nous cultiverons le respect et la confiance pour favoriser l’expérimentation et la prise de risque, la possibilité de douter, voire d’échouer en toute liberté, pour permettre l’approfondissement des démarches sans impératifs de résultat. L’atelier se déroulera dans un format hybride (sur site et en ligne) et bilingue (français et anglais).


Calendrier

(Atelier mixte sur site et virtuel de 5 jours)

De 9h30 à 17h00 HNE tous les jours
Du lundi 8 mars au vendredi 12 mars 2021.

Location du site

7250 rue Clark, #103
Montréal, QC
H2R 2Y3


Le programme de cette année s’inspire dans sa thématique de la géographie locale et des forces et courants de la nature. Ainsi, à partir d’une réflexion archipélique au croisement des disciplines (géographie, philosophie et dramaturgie) nous chercherons des approches propres aux arts vivants pour naviguer à travers les courants, contrecourants, entre les cultures, pratiques artistiques et systèmes de connaissances.

Ancré dans le contexte montréalais et dans les réalités plurielles de nos communautés artistiques, l’atelier sera construit sur mesure pour répondre aux projets des participant.e.s et alimenter de riches échanges entre nous, dans l’espoir de créer des résonances et des circulations à l’intérieur du groupe. 

Pour explorer la dramaturgie sous cette perspective, nous emprunterons chaque jour une porte d’entrée différente : l’espace/le temps, le corps/la physicalité, le texte/ la traduction, le son/le silence/la voix, et le public. Grâce à ces éléments et au partage des questions et des enjeux de chacun.e, nous (in)formerons ensemble des archipels dramaturgiques à même de soutenir et de renforcer nos pratiques.

L’atelier proposera les formats suivants : 

  • travail en studio (en groupe);
  • travaux individuels et lecture;
  • rencontres avec des invité.e.s (en ligne et en personne);
  • discussions;
  • accès à des documents visuels, à des enregistrements et à des films;
  • espace de ressources virtuel / en ligne partagé;
  • soutien dramaturgique individuel;
  • une sortie au théâtre;
  • une fête de clôture.

PWM et le CEAD offrent la possibilité à huit dramaturges (toutes disciplines de la scène confondues) ou équipes de travail (2 personne, i.e. un.e dramaturge accompagné d’un.e auteur.rice, concepteur.rice, chorégraphe, etc.) de participer à cette semaine d’exploration des pratiques. Les participant.e.s doivent s’inscrire avec un projet, une pièce ou un enjeu de recherche stimulant sur le plan dramaturgique et qui résonne avec ces mots-clés.

Mots-clés et inspirations

  • entredeux;
  • interconnexions;
  • connexions;
  • formes dynamiques;
  • courants transversaux;
  • contrecourants;
  • constellations;
  • relations;
  • hybridité;
  • métamorphose;
  • transformation;
  • états fluides.

Critères d’admissibilité

  • s’inscrire en tant que dramaturge ou faire partie d’une équipe de travail dramaturge/artiste;
  • venir avec un projet ou une partie de projet ou avoir une question/un projet en tête que vous souhaitez explorer;
  • être prêt.e à faire une courte présentation (15 minutes) sur votre projet devant les autres membres de l'atelier;
  • avoir les compétences en anglais et en français pour suivre et participer à une conversation bilingue;
  • être ouvert à la collaboration et curieux;
  • être disponible pendant toute la durée de la semaine intensive.

Comment postuler

Pour postuler, envoyez une courte candidature en anglais ou en français à Harris Frost à harris@playwrights.ca avec la ligne d'objet: Application - Archipels dramaturgiques. Votre candidature doit répondre à ces questions :

  • Nom(s) et coordonnées;
  • Quel est le projet en cours que vous souhaitez examiner dans le cadre de l’atelier;
  • Comment cet atelier peut-il vous être utile;
  • Une courte biographie;
  • Confirmation de votre disponibilité pendant toute la durée de l’atelier;
  • Tout accommodement nécessaire relatif à l’accessibilité.

Postulez avant 23h59 le 11 janvier 2021 pour vous assurer que votre candidature sera prise en considération.

À propos des animatrices de l'atelier

Photography of Jessie Mill
Photo par Sandrick Mathurin

est dramaturge et conseillère artistique à la programmation du Festival TransAmériques (FTA) depuis 2014. Elle y met notamment en place des dispositifs de rencontres et de transmission, dont les Cliniques dramaturgiques, consacrées à l’accompagnement des artistes. De plus, elle accompagne des créations scéniques (Canada, France, Burkina Faso), réalise plusieurs entretiens avec des artistes et enseigne à l’occasion. Membre du comité de rédaction de la revue Liberté et codirectrice de son cahier critique, elle écrit autour des spectacles et sur les enjeux des arts de la scène. Entre 2010 et 2014, elle a occupé le poste de conseillère aux projets internationaux au Centre des auteurs dramatiques (CEAD), organisme avec lequel elle collabore toujours à titre de conseillère dramaturgique associée. Intervenante au Labo Elan des Récréâtrales, espace panafricain d’écriture, de création, de recherche et de diffusion théâtrales à Ouagadougou, elle accompagne les artistes de la promotion 2019-2020.

Photography of Katalin Trencsényi
Photo par Lilla Khoór

Katalin Trencsényi est dramaturge et chercheure d’origine hongroise basée à Londres. Parmi ses champs d’intérêt se trouvent le théâtre contemporain et la performance, en particulier la nouvelle dramaturgie, les processus collaboratifs, les femmes au théâtre, et théâtre et épidémie. Dramaturge indépendante depuis 2000, Katalin a travaillé avec le National Theatre, le Royal Court Theatre, le Soho Theatre, Corali Dance Company et le Deafinitely Theatre, ainsi qu’avec de nombreux artistes indépendants. En tant que praticienne, Katalin a travaillé et enseigné à l’international : en Belgique, au Canada, en Hongrie, en Lituanie, en Pologne, en Roumanie, en Russie et aux États-Unis. Katalin a cofondé le Dramaturgs’ Network (d’n) en 2001, a participé à ses différents comités et en a été la présidente de 2010 à 2012. Elle est l’auteure de Dramaturgy in the Making. A User’s Guide for Theatre Practitioners (Bloomsbury Methuen Drama, 2015), l’éditrice de Bandoneon : Working with Pina Bausch (Oberon Books, 2016) et coéditrice avec Bernadette Cochrane de New Dramaturgy : International Perspectives on Theory and Practice (Bloomsbury Methuen Drama, 2014). Depuis 2018, Katalin travaille comme rédactrice à la section dramaturgique de la plateforme en ligne TheTheatreTimes.com.

En collaboration avec
Cet atelier est soutenu financièrement par
Emploi-Québec and Compétence Culture Logos

Sylvia Cloutier est l'aritste du programme AMPLIFIER

Photo of Sylvia Cloutier, artist of the AMPLIFIER program.

Playwrights’ Workshop Montréal, LA SERRE — arts vivants, et le Conseil des arts de Montréal sont ravis d'annoncer la saison inaugurale de leur AMPLIFIER: a fully supported exploratory creation process for playwrights avec l'artiste Sylvia Cloutier et son projet HUSH!

L'ARTISTE

Headshot of artist Sylvia Cloutier
Photo par Maxime Côté

Sylvia Cloutier est une comédienne, musicienne, auteure, productrice de télévision et de théâtre, réalisatrice, conférencière et mère de Kuujjuaq, Nunavik (Nord du Québec), résidant actuellement à Montréal. 

Au cours de ses vingt-cinq ans de carrière en tant que chanteuse, elle s'est produite à l'échelle nationale et internationale à la fois en tant qu'artiste solo et en collaboration avec de nombreux artistes et ensembles réputés, notamment Tafelmusik, l'Orchestre symphonique du Centre National des Arts, Florent Vollant, DJ Geronimo Inutiq Leela Gilday et Madeleine Allakariallak. 

Récemment diplômée de l'École nationale de théâtre de Montréal à titre d'artiste autochtone en résidence (2018-2020), Sylvia travaille comme artiste interprète depuis 25 ans. Mme Cloutier est la cofondatrice de la compagnie inuite d'arts de la scène Aqsarniit; a été directrice artistique de la compagnie de théâtre Qaggiq à Iqaluit de 2004 à 2009; et cheffe de projet théâtral à Kuujjuaq, Nunavik (2008-2010). 

Forte de son talent et de son expertise en théâtre et en musique, Sylvia commença à écrire, à produire et à réaliser pour la scène et l'écran en 1999. Elle a développé des spectacles pour des événements prestigieux comme l'inauguration du Nunavut en 1999 à Ottawa et le Arctic Inspiration Prize, et des concerts pour les festivals Alianait (2005-2019) et Toonik Tyme (2003-2018) à Iqaluit. Sylvia a également été productrice de six séries télévisées en inuktitut, dont Niqitsiat (2015-2016) et Nunavummi Mamarijavut (2017-2018). Elle a également produit et co-créé la production musicale TULUGAK (2011-2014), en collaboration avec des artistes inuits du Canada et du Groenland. 

Intervenante-conférencière et mentor pour les jeunes, Sylvia a été nommée «Femme de l’année» par Pauktutiit, l’organisation nationale des femmes inuites en 2009, et a reçu le prix «Jeune femme exceptionnelle de l’année» par l’organisation de femmes Qullit Nunavut en 2013.

LE PROJET

Le projet de Sylvia, HUSH, explore l'impact de la perte d'une personne par suicide au sein d'une communauté inuite. La pièce transporte le public au Nunavik, l'invite à être témoin de la culture inuite, de sa relation à l'environnement, de sa résilience et de la façon dont la colonisation l'a dépouillée de son pouvoir, de sa spiritualité et de son autonomie pour prendre le dessus. 

"Si nous pouvons être conscients de nos réalités, alors nous pouvons apprendre à mieux comprendre notre histoire. Si nous pouvons comprendre notre histoire et ses blessures, nous pouvons travailler sur l'acceptation. Lorsque nous acceptons notre douleur, nous pouvons guérir. Lorsque nous guérissons, seulement alors pouvons-nous nous réconcilier. Plus besoin de HUSH."

Sylvia est la première artiste soutenue par AMPLIFIER en anglais. Sur la durée du programme, elle bénéficiera de consultations dramaturgiques, d'ateliers de création, d'une résidence de production suivie d'une présentation en laboratoire, et recevra une subvention de création de 13 000 $.

LE PROGRAMME

Le Conseil des arts de Montréal, Playwrights' Workshop Montréal et LA SERRE - arts vivants ont créé ce programme pour mettre en valeur les contributions artistiques et sociales des artistes de théâtre issus de communautés culturellement diverses, autochtones ou racialisées travaillant dans l'une des langues officielles du Canada.

AMPLIFIER soutient concrètement le développement professionnel des auteurs de théâtre issus des communautés culturelles et réduit les obstacles auxquels font face ces artistes dans la communauté théâtrale montréalaise, notamment ceux liés à l'inclusion, à l'accès aux ressources et aux services, à la visibilité et à la légitimation, et au financement.

De plus, il vise à favoriser le dialogue entre les communautés théâtrales anglophones et francophones de Montréal, ainsi que les échanges interculturels au sein de la communauté théâtrale et sur les scènes montréalaises. Afin de soutenir les artistes écrivant en français et les artistes écrivant en anglais, ce programme est proposé par le Centre des auteurs dramatiques en français sous le nom Voi.e.s.x Théâtrales, et par PWM en anglais.

Le développement du projet de Sylvia se déroulera sur 2 ans. Nous lui souhaitons une création passionnante!

Ce programme est un partenariat entre
PWM logo

Impact Creation — Our year-in-review crossword puzzle

Illustration of 2 characters carrying PWM from 2020 to 2021. This is the year-in-review crossword puzzle for the Impact Creation campaign.

Here is our gift to you, our community: a 2020 year-in-review PWM crossword puzzle!

Every artist needs a home — a place where they can fully be themselves to create, a place where they just belong. Playwrights’ Workshop Montréal is that place for countless artists. This puzzle offers you a glimpse of what we did to keep us all interconnected during this roller coaster ride of a year.

It is also a draw! All correctly completed puzzles are entered in the draw for a chance to win their choice of Controlled Damage by Andrea Scott, Okinum by Émilie Monnet, or Some Blow Flutes by Mary Vingoe. All plays were created with the support of PWM.

Send us a correctly completed puzzle by December 31, 2020, and you will automatically be entered for the draw. You can submit your entry by clicking the submit button after filling it online, or if you choose to print it, send us a picture of the completed puzzle ici. Don’t forget to leave your email or phone number when prompted, so we can contact you.

Apply Now: Interdisciplinary Dramaturgy Lab

Illustration for the Interdisciplinary Dramaturgy Lab workshop 2021

Note:
en raison de la pandémie COVID-19, cet atelier se déroulera en téléprésence.
Contactez harris@playwrights.ca pour toutes questions sur l'atelier.

PWM and Studio 303 invite dramaturgs, theatre artists, dancers, circus artists and interdisciplinary artists to the third edition of the Interdisciplinary Dramaturgy Lab. Led by Kathy Casey (dance), Dana Dugan (circus) and Fatma Sarah Elkashef (theatre), the lab is a space for artists to exchange dramaturgical tools, share challenges and experiences, and explore how we are working in these exceptional times.


Calendrier :

(Atelier virtuel de 5 jours)

9:30 AM to 12:30 PM EST every day
Monday, January 11 to Friday, January 15, 2021.

Location:

L'atelier se déroulera à distance via un logiciel de visioconférence.

Fee:

$60 
(Please contact us if this fee would be a barrier to your participation)


Comment postuler

  • Please send us a bio and/or artistic CV as well as a brief (1-2 paragraph) statement explaining why this lab interests you, how it is relevant to your artistic practice, and what your expectations are for this lab.
  • Send your application and any questions to:  harris@playwrights.ca using the subject line: Interdisciplinary Dramaturgy Lab
  • Apply before  11:59 PM on December 18, 2020 to ensure that your application will be considered.

À propos des animatrices de l'atelier

Photo by George Dutil

Born in North Carolina, Kathy Casey began her dance career in 1979 with the Chicago Moving Company. Settled in New York in 1980, she danced for many choreographers before joining the Lar Lubovitch Dance Company in 1984. In 1989, she became a member of Susan Marshall & Company, with whom she had collaborated since 1981. From 1985-1989, she also assisted Mr. Lubovitch and Ms. Marshall in creation. Kathy Casey has danced in Europe, Asia, and North America and continues to give numerous workshops across Canada and the United States. Welcomed by Montréal Danse in 1991, she was appointed Artistic Director of the company in March 1996. A major portion of her work now is collaborating with choreographers on the dramaturgy of the works created for the company. In addition to her work with Montréal Danse, she also works as an artistic advisor with independent choreographers in the city.

Photo by Dominic Brunet

Dana Dugan is an American circus artist, performer, pedagogue, and scholar based in Montreal. She was a founding member, programmer, project manager, and producer of the Chicago Contemporary Circus Festival and CirqueOFF. Dana recently completed her Master’s Degree at Concordia University under fellowship researching the circus body and its embodied knowledge. She is currently continuing her research explorations and performance of the circus body and speculative performance narratives as a PhD student at Concordia University. Dana’s work reflects an agenda that advocates for socially conscious performances and alternative, queer, feminist, political narratives that cultivate agency on the circus stage.

Photo by Nasuna Dawn

Born in the UK, Fatma Sarah Elkashef is a dramaturg based in Tiohtià:ke (Montreal) working in new play development and interdisciplinary creation.  Since 2013 she has been a dramaturg at Playwrights’ Workshop Montréal (PWM) where she has collaborated on numerous plays and performances. Sarah began the Interdisciplinary Writers’ Lab at PWM to explore non-text centric approaches to theatre/performance creation and is deeply inspired by the brilliant theatre, dance, circus, performance and visual artists who have been a part of it thus far. At the National Theatre School of Canada she has worked across programs as a dramaturg, creator, and teacher since 2012. Sarah’s preoccupations are rooted in her hybrid identity and practise, and she is excited by the possible futures for collaboration and process sharing across performance disciplines.

En collaboration avec
Studio 303 Logo
Cet atelier est soutenu financièrement par
Emploi-Québec and Compétence Culture Logos